一、打破千年刻板惯例，他是诸体融合的先行者二、吃透书画同源，别人只是口号，石涛落到实处三、搜尽奇峰打草稿，笔墨从山河大地当中孕育而生四、三大超前的创作理念，奠定宗师地位五、放到当下，石涛的书法更值得我们学习六、读懂石涛，才算领悟中式艺术的自由内核
提起石涛，大家一致印象他是画家，有人还知道他是清初四僧之一。
但从事书法教学那么多年，嘉强想跟大家说石涛真正的王牌本事，从来不是山水画，而是写字。
300 多年前，整个书法圈还死守楷书、隶书、行书互不掺和的老规矩时，石涛早就把书体混搭、笔墨随心、打破刻板套路玩得炉火纯青。后世书法圈争论不休的创作难题，人家早就亲身实践完毕。
他打通篆、隶、楷、行、草多种字体，又把山水气韵融进笔墨当中。毫不夸张地讲，后来清代碑学兴起、写意创作流行，很多思路都是借鉴了石涛。
很多人学习书法，有一条根深蒂固的规矩，五体分开，互不掺和。
楷书讲究端庄工整，隶书注重波磔平稳，行书追求流畅，草书重在奔放洒脱。
古代学书者，一生深耕一种字体，字体之间界限分得特别清楚，随意混搭字体，在当时就是不懂法度。
到了清初，大家一窝蜂学习二王、临摹董其昌。
写出来的字外形看着精致，可千人一面，满是匠气，缺少属于自己的精气神。
石涛却不走寻常路。
他静下心钻研历代碑帖，吃透古人的笔法精髓之后，再把旧有的书写套路全部打碎，重新融合创新。
《楷隶行三体杂录卷》就是最好的证明。
这一卷作品里，楷书、隶书、行书灵活切换，过渡自然流畅。
写小楷，他避开明清楷书的僵硬刻板，吸收钟繇书法古拙厚重的质感；
写行书，摒弃二王书法过于柔媚的弊病，加入隶书顿挫有力的线条；
写隶书，摆脱汉隶死板对称的模式，融进行书舒展灵动的姿态。
楷体里面藏着隶书的厚重，隶书当中带着行书的轻盈，行书又恪守楷书的骨架。
表面看上去随性散漫，内里每一笔都有古法支撑。
现在很多书法爱好者盲目效仿石涛，只学会字形歪斜潦草，最后写得不伦不类。
这里大家一定要分清：石涛的松弛自在，是精通法度之后的从容；普通人乱写一通，只是基本功薄弱。
唐代张怀瓘在《书议》里讲到：论人才能，先文而后墨。
技法只是基础，眼界格局，才决定笔墨最后的层次高低。这也是石涛远超同期书画家的根本原因。
从古至今，书画同源这句话流传已久。
但是长久以来，大多书画家只是嘴上认同，很难真正做到二者互通。
元代赵孟頫已经非常厉害，他做到了笔法共用，写字和画画沿用一套运笔方式。
石涛比他更进一步，实现章法、意境、审美全方位互通。
先说以画入书，用画画的思路去写字。
普通书法家写字，局限在方格之内，重点追求行列整齐。
石涛不一样，他是以画家的视角在整张宣纸上布局。
山水画讲究疏密、虚实、黑白对比，这套理论被他完全运用到书法创作当中。
字排布密集的地方，好似群山层叠；大面积留白的位置，如同山间缥缈云雾。
浓重墨迹像岩石沉稳苍劲，干枯笔触如同山石皴擦，苍莽浑厚。
通篇文字大小错落，倾斜变化自然。后人评价杨维桢书法 “乱头粗服，自有风气”，用来形容石涛同样合适。
这并不是胡乱书写，是画家独有的空间审美，是精心规划之后呈现出来的松弛状态。
再来讲以书入画，依靠书法线条撑起画作骨架。
清初四王一派，作画一味临摹元代山水，笔触细碎拘谨。画面看着完整精致，但是毫无生机。
石涛的山水画完全避开这个问题，不靠花哨造型取胜，依靠书法线条塑造画面。
勾画山石，借鉴隶书方折厚重的特点；伸展树枝，运用行书流畅婉转的笔法；散落的苔点，带着草书干脆利落的质感。
张彦远在《历代名画记》提出：骨气形似皆本于立意而归乎用笔。
石涛把这句话贯彻到底，他笔下的山水，线条自带风骨，画面充满自然生气。
石涛那句 “搜尽奇峰打草稿”，很多人片面理解成画画心得。
实际上，这也是他练习书法的核心秘诀。
同时代的书画家，创作素材依靠翻看古画旧帖；石涛的创作灵感，来自亲身游历的名山大川。
常年游览黄山，彻底改变了他的笔墨风格。
看到高耸山峰，落笔便有挺拔的骨力；看见盘旋的松枝，线条便多了坚韧；
目睹云海聚散开合，他就懂得了留白的奥妙；望着奔涌的瀑布，笔墨便拥有酣畅的气势。
别人的笔法是对着字帖死记硬背学来的套路，石涛的笔墨气质，是山川风物慢慢滋养出来的。
我们拿《狂壑晴岚图》上面的题跋举例。
作品开篇字迹工整沉稳，写到后半段笔墨尽情释放，字体大小参差，墨色浓淡变化丰富。
题字贴合山势走向，书法和绘画融为一体。顺带客观说明：学界对于这幅作品真伪存在争议，但用来理解石涛创作思路完全没问题。
石涛之所以被后世奉为清代书画宗师，不单是技法出众，更胜在思想超前。
1. 无法而法，拒绝被古法束缚
清初书画圈最大的问题就是摹古成瘾，所有人不敢跳出古人划定的范围。
石涛直言：至人无法。非无法也，无法而法，乃为至法。
翻译过来很好理解：真正的高手，不是抛弃法度，而是不被死板的规矩禁锢。适合自己内心的审美，才是最高准则。
他还有一句十分霸气的名言：我之为我，自有我在。古之须眉，不能生在我之面目。
简单来说，古人的审美不能强加在我的身上。就算我的字迹偶尔贴近古人，也是古人契合我的审美，并不是我刻意模仿前人。
孙过庭在《书谱》讲到：古不乖时，今不同弊。学习古法顺应时代，紧跟潮流又不沾染陋习，石涛就是最好的践行者。
2. 一画论，创作本心才是笔墨根源
石涛提出的一画论，读懂这句话，就能看透书画创作的本质。
太古无法，太朴不散。太朴一散，而法立矣。法于何立？立于一画。
最初本没有人为规定的笔法套路，所有法度，都是后人总结出来的。落笔的核心，源自创作者发自内心的感悟。
所以他的作品没有刻意雕琢的匠气，真诚自然，充满生命力。
3. 笔墨当随时代，摒弃僵化守旧
大家熟知的笔墨当随时代，原本是石涛感慨后世创作日渐衰败。经过长久流传，这句话变成艺术创作与时俱进的箴言。
不要固守陈旧套路，审美跟着时代和自己的内心转变。清代中后期碑学兴盛，大家提倡篆隶相融，其实都是延续石涛开辟的创作道路。
现在很多书法爱好者普遍陷入一个困境：临帖临摹得惟妙惟肖，一旦自主创作就束手无策。
字形写得工整规范，可通篇缺少个人特色。
问题根源就是只模仿字形外表，没有领会古人用笔的内在逻辑。
石涛给当代学书者指明方向：学习古法，重点领悟运笔思路，而不是照搬字体外形。临帖只是过程，表达自我才是最终目的。
练字一共分为三层境界：
第一层机械抄写字形，写出来僵硬死板；
第二层熟练掌握笔法，写字中规中矩；
第三层遵从本心创作，守得住法度，又能大胆出新。
绝大多数练字的人一辈子停留在前两层，石涛轻松达到了最高境界。
他的书法初看随性洒脱，细细品读法度森严，古意与自我兼顾。
三百年前，整个书画圈都在一味复刻古人。
只有石涛坚持艺术创作要遵从本心，保持自我，不刻意迎合世俗审美。
他用一生证明，好的作品不是照搬前人，而是抒发自己内心的感悟。
年轻的时候看石涛的字迹，大多人觉得潦草杂乱；阅历慢慢增加之后才会明白，吃透规矩之后的随性，才是艺术的最高境界。
历经数百年岁月洗礼，石涛的作品依旧备受推崇。
因为他抓住了中式艺术的核心：亲近自然，坚守本心，不拘泥世俗套路。
最后想问一问大家：
你更喜欢石涛的绘画还是他的书法？你印象最深的是他哪一句画语录？欢迎在评论区留言讨论。
热门跟贴