在美术馆中编织、舞蹈、创作、分享……悄然成为一种新的文化潮流。这是美术馆以“参与”的方式，激发观众走入美术馆空间中进行互动、体验，充分展现了美术馆以“人”为中心的发展理念。它突破美育的单向思维，进而思考美术馆与“人”的关系。
美术馆为吸引观众频出招数，“参与”也不是最近才出现的方式。从沉浸式观展、打卡分享、工作坊到与艺术家对话等，都是吸引观众的手段。它强调沉浸式体验与互动，以区别走马观花式的参观，但并非真正的“参与”。随着美术馆公共教育刻意追求创意化和新鲜感，这些内容略有形式大于内容之嫌，且美术馆并未真正关注观众在参与过程中的创造力与感受力，很多时候，观众就像是活动策划中的一环，只能配合。
美国博物馆学家妮娜·西蒙在《参与式博物馆》一书指出，“参与”在本质意义上是“创作、分享与交流”。博物馆研究领域中“参与”概念的出现，正是基于对博物馆权威性、观众群体单一化的反思，以及对博物馆民主化发展的追求。对“人”的关注一般被视为现代博物馆转型的重要标志。由“物”转向“人”为中心的叙事方式，正是“新博物馆学”的核心内容。近年来，国际博物馆日主题便充分显示出关系议题的重要性。
国内“新美术馆学”的研究视角更注重从我国实践出发，思考在社会变革中的美术馆生产机制转型，以及美术馆与公众、城市文化之间的关系。新时代的美术馆事业，在内外双重力量的推动下得到蓬勃发展。外部力量来自于现代公共文化体系建设的国家战略导向，美术馆作为公共文化服务机构，它的公共性、服务性被强化，服务于人民日益增长的精神文化需求成为其不可推卸的时代使命。内部力量是受当代艺术理论和策展机制影响而生发出的内驱力，呈现出美术馆展览文化在多视角、跨文化、当代性等方面取得的显著成效，但也难免步入艺术远离观众与生活的困境，既造成美术馆与公众关系的错位，也偏离了以“人”为中心的核心理念。
受“新博物馆学”观念的影响，国外博物馆较早开始关于“参与”项目的实践，有较多优秀的案例值得借鉴。近期出现在国内美术馆或美术新空间中的“参与”式实践活动，以“参与”作为方法，重塑美术馆的文化内涵与社会价值，积极回应着全球视野中“无墙博物馆”观念，也是对文化“人民性”的实践阐释。这类“参与”式实践，聚焦于参与者自身的态度与行动，且将他们的创造和表达纳入美术馆生产机制中，它更强调观众的主动性和主体性，真正彰显“参与”的价值。
西岸美术馆与蓬皮杜中心五年展陈合作大型公共编织项目“编织，一起吗？”
观众的主体性：
从“参观者”到“参与者”
从“参观”到“参与”，虽一字之差，但观众的身份发生了质的变化。“参观”是指观众走入美术馆空间观看展览或参加活动，即观看由策展人策划的一场展览，或是参加一场设计好流程和预设结果的活动，显然这类“观看”行为是被动的。在美术馆营造的展陈空间中，艺术是被欣赏、被仰视的对象，是观看的视觉中心。观众的观看体验不在策展思路中，或被单一化预设。而“参与”式的美术馆实践，是将观众的“参与”作为策展中的重要组成部分，它鼓励“参与”行为的多样性与个性表达。从“参观者”到“参与者”的身份转变中，观众的主体性被激活与强化，这是建立观众与美术馆、艺术、艺术家之间平等关系的基础。
早在2007年，维多利亚与阿尔伯特博物馆携手纺织艺术家苏·洛蒂合作启动了“世界海滩计划”，鼓励世界各地的参与者去海滩上找一块石头做成艺术品，拍下来后发到博物馆网站上，由艺术家把参与者提供的图像编织成一幅世界地图。这件作品被展示于博物馆官网上，观众可以随时浏览，并且可查阅每块石头的材质，采集时间、地点，以及创作动机等都信息。这件作品把“参与”当作创作的核心元素，并且尊重参与者的创意，将参与者提供的作品作为项目成果的一部分。“世界海滩计划”的最终成果展现出每块石头在地球上的地质属性与生态关联，并开启关于地球上不同国家、地区和民族的人类之间关系问题的思考。2025年，西岸美术馆发起的“编织，一起吗？”项目也有异曲同工之妙，通过编织将不同“参与者”的创作组合成一件公共作品，编织的“线”象征着不同经验、审美与理念在美术馆中的交织与共融。
美术馆的公共性：
从“精英化”到“公共化”
欧洲博物馆从工具性到公民社会属性的发展，体现出博物馆与社会关系的变迁。公共性作为公共机构的基本属性，是实现公共资源共享、公共权力平等的基石。从我国公共美术馆的免费开放到“参与”式实践的探索，呈现出从文化共享到文化共创的文化语境中，美术馆对构建公共文化共同体的价值追求。美术馆曾经作为精英文化的代表，如今打破视觉中心主义等传统生产方式，重新建立对“人”的尊重，构建与观众的新关系，迈入“公共化”发展的新阶段。
位于英国伦敦的惠康典藏博物馆，通过“好奇心对话”项目向公众发布与生活有关的问题，在得到参与者反馈后，博物馆会将文字转化成手绘图，展示于展厅和线上社交平台。日常化的问题对观众来说毫无门槛，提高了活动的参与性，而手绘图的趣味性，能激发更多人互动。由一个个生活问题引发的不同回应，形成一张可视化的知识结构图和社交网，参与成果又成为展览内容，这个过程源源不断激发出参与的热情以及无限创意。另外，该博物馆在2011年推出“物件”展览，向社会公开征集私人日常物品以及背后的故事。策展人根据不同的物品以及信息，将征集来的日常物品与艺术作品一同陈列。在展览期间，参与者可以随时回收自己的物品，使这个展览形成动态的效果，而参与者的互动行为成为展览的核心内容。日常物进入博物馆，打破了艺术与生活的边界，也将日常生活中被遮蔽的议题带入公众视野，改变了展览叙事范式，将公共叙事纳入美术馆生产机制中。
艺术的能动性：
从“美育”到“文化认同”
随着美术馆之“墙”的打破，美术馆延伸至更广泛的公共空间，将艺术的种子植入生活土壤中，种在更多人心中。美术馆“参与”式实践不仅打破美术馆的审美权威性，也激发出艺术的能动性以及情感性。
正是在美术馆“参与”式生产中，艺术剥掉传统审美范式，不再空泛表达当代观念，而是扎根于复杂的社会关系网络中，生长出“在地性”的艺术语言。它流露出的“美”在形式之外增加了社会性维度，并长出许多触角，成为情感联结的纽带。
前段时间亮相凉城新村的《缘深润石》，是雕塑家李秀勤的在地性作品。位于社区中两条主干道交叉转角的两块大石头代表所处两个社区，即凉城新村与复旦小区。连接两块石头的“燕尾榫”象征连接两个社区居民互动的“小巷美术馆”。它的创作灵感来自社区历史与居民交往，石头上的“手印”更承载社区居民的集体记忆。在社区场域中，这件雕塑作品是可触摸的石头，可亲近的艺术，可回忆、可交流的美好生活。这件艺术作品从创作到落地与社区紧密相连，同时它将继续在社区中生长，化为一种柔性的力量，让“小巷美术馆”成为有温度、有人情味的社区公共空间。在这个空间中，艺术可共享、可参与、可对话，在美育之外还叠加了居民交流互助、社区活动与便民服务等功能，让艺术在无形中推动社区韧性治理。
艺术让美术馆突破“美育”之墙，也打破社区围墙，促进居民之间更多互动。社区美术馆看似是美术馆文化权力的让渡，却促成艺术作为“审美教育”的载体转向“文化认同”的纽带。
“参与”作为一种方法，打破美术馆传统观看范式，也使其生产机制遭遇根本性重构。通过实践让我们发现，无论美术馆与观众的关系，还是美术馆作为关系媒介建构的艺术与生活、人与艺术等关系都在悄然改变。当“参与”的潜能被不断发掘，“参与”的价值则日趋凸显。如果说，博伊斯的“人人都是艺术家”作为当代艺术宣言，是对传统美学的挑战。那么，美术馆“参与”式实践正不断拓宽文化共享的边界，让文化共创共识成为可能。同时，它也在不断激活文化创新力，并推动构建大众文化的主体性。
近两年，众多美术馆面临生存危机。当数字技术让艺术资源触手可得，艺术展览同质化、消费平替化等现实问题导致美术馆发展瓶颈时，美术馆的空间意义需要被重新思考与发现。令人可喜的是，美术馆“参与”式实践的星星之火让我们看到艺术联结线下交流互动的潜力，以及“参与”式艺术的更多可能性，它给美术馆未来发展方向带来重要启示。
原标题：《美术馆“参与”式实践：是方法也是价值所在》
栏目主编：邵岭
文字编辑：范昕
本文作者：郭奕华（上海艺术研究中心青年学者）
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