2026年第3期 总第826期
原创音乐剧的“中国气质”塑造路径
文/苏志灵
近年来，国内原创音乐剧产量稳步增长，题材维度持续拓展，新生代创作者不断涌现，舞台呈现日趋多元，彰显出蓬勃的创作潜力与艺术活力，亦诞生了一批口碑佳作。但繁荣表象的背后，行业发展的结构性失衡逐渐显现：票房与口碑的核心阵地仍以引进剧目为主，多数原创作品在首轮演出后便难续热度，缺乏持久传播的生命力。在资本加速入局与市场节奏的裹挟下，部分制作倾向于快周转模式，艺术打磨的周期与空间受到压缩，作品易陷入同质化、浅表化的创作困境。尤为值得关注的是，部分创作对西方音乐剧范式存在借鉴过度的问题，未能充分深耕本土文化内核并完成有效的艺术转化，也尚未将中国审美意趣自然地融入叙事肌理与舞台表达，导致作品的文化辨识度不足，难以形成独具东方气韵的艺术特质。原创音乐剧要实现从“数量增长”到“质量跃升”的突破，确立自身文化身份，回望文化根脉、坚守艺术品格，仍是不可或缺的核心路径。
一
虚热与隐忧：原创音乐剧的当下症候
原创音乐剧在当今的中国舞台呈现前所未有的活跃。剧院与商业演出市场的加持、网络话题与短视频传播的助推，使这一曾经小众的舞台类型逐渐走向大众视野，甚至一度成为“文旅爆款”。然而，在热度迅速上扬的背后，却暗藏虚热与隐忧。
原创音乐剧的崛起，与资本介入和市场运作密不可分。然而，部分制作方追逐短期回报，将作品视为快消品，立项时缺乏精准定位，在宣传上过度夸张，其作品往往高开低走。票房数字的虚高和口碑的平淡，形成了难以弥合的落差，逐渐损耗观众的信任。观众若一次次被噱头吸引，却发现内容平庸，最终会心生抵触，造成市场对原创作品的整体信心下降。这种循环一旦固化，原创音乐剧便容易陷入数量繁荣、质量堪忧的怪圈。
另一个顽疾是过度依赖明星效应。部分作品以流量演员为卖点，观众“看人不看戏”，音乐剧沦为明星周边的延伸，作品本身被弱化，音乐、故事与舞台表达成为附庸。演员的名气短期内可带动票房，但作品缺乏艺术生命力，难以让观众形成深层共鸣。长此以往，原创音乐剧失去独立的艺术品格，沦为娱乐工业链的一环，而非有思想深度与美学追求的舞台艺术。
更为深层的问题则在于戏剧张力的不足。许多原创音乐剧在创作中忽视戏剧的基本规律，人物塑造单薄，矛盾冲突缺乏锋芒，整体呈现沦为歌曲联唱的拼凑，缺少复杂群像与情节递进，导致观众难以被故事吸引，更难被人物触动。尤其在音乐语言上，传统戏曲或西方经典音乐剧常见的“重唱”“对唱”“群体唱段”等制造张力的技法被轻率地舍弃，使作品停留在抒情层面，缺乏结构张力与精神深度。由此，舞台作品很难超越表面热闹，进入情感与思想的深处。
二
文化自觉与艺术开掘：中国气质的生成逻辑
若“虚热”揭示了原创音乐剧当下的困境，那么文化自觉与艺术开掘则是其走向成熟的可能路径。真正的中国气质并非民族元素的堆砌或对西方模式的简单模仿，而是在故事、审美与表达方式等层面完成深层次的内化与转化。
音乐剧要想获得持久生命力，必须从“中国题材”的表层走向“中国经验”的精神阐释。单纯将历史人物搬上舞台，或机械移植民间传说，并不足以打动当代观众。真正打动人的力量来自人物在抉择时的挣扎、在矛盾中的碰撞、在情感里的纠葛。无论是历史转折关头的命运徘徊，还是日常生活里的伦理困境，都能以音乐与戏剧的形式反映当代观众的精神诉求。当故事上升至精神层面，音乐剧才能摆脱空洞叙事，成为承载文化共鸣的艺术载体。比如，在国风音乐剧《杨戬》中，舞台开启，唢呐骤响，黑暗中红光闪现，杨戬金冠束发，手握三尖两刃枪登场。听觉体验扣人心弦，现代“赛博朋克”风格与传统民乐融合，民族乐器在作曲中被重新熔铸。其核心是观众熟悉的故事——杨戬劈桃山救母。剧中凡人杨戬无畏坚定，神仙二郎真君在沉香劈山救母时化身为冷峻卫道者。剧情的对比与张力呈现了杨戬人生的复杂曲折，也折射出中国传统文化对人性、伦理与道义的深刻思考。
音乐剧《赵氏孤儿》
中国原创音乐剧若要塑造独特气质，必须从自身丰厚的文化土壤中汲取养分。戏曲中那一脉写意的程式、民间艺术里跳跃的节奏与韵律，都是不可多得的艺术财富。音乐剧《赵氏孤儿》《将进酒》《大江东去》这样的作品，不仅在舞台上赢得观众的掌声，也在市场中经受住了考验。它们大量汲取民族器乐、戏曲声腔及非遗艺术的表达手段，使旋律既带有现代感，又深植于传统文化的脉络之中。舞蹈与表演亦不拘泥于单一的百老汇式现代舞，而是巧妙融入民族民间舞蹈与古典舞蹈的元素，形成多层次、多维度的视觉语言，与观众的审美期待相契合，从而实现了中华传统文化与现代舞台艺术的有机交融。
音乐剧《蝶》
音乐剧是舶来艺术，其本土化不应进行“去中国化”的模仿。真正的创新要在“体”与“用”间找平衡，以中国文化与审美为根基，借鉴西方叙事、调度、制作经验，既利用西方音乐剧剧情与音乐结构，又凸显东方美学意境气韵，国际视野与本土表达互补，中国原创音乐剧才能在全球化中确立独特姿态。原创音乐剧《蝶》取材于《梁山伯与祝英台》，以新叙事结构与视角诠释爱情忠贞与命运无常的主题。《蝶》的音乐以中国旋律为脉，交织了民族音色的细腻与现代舞台的张力，吸纳西方音乐剧的精华，构筑宏大温润的视听空间。梁山伯登场时的《诗人旅途》旋律轻扬，演员的细腻表演将其形象生动呈现。声乐编排有层次感，多数角色用混声唱法，老醉鬼与统领老爹用美声唱法，声部交融凸显人物性格差异与戏剧张力。
三
市场与艺术的共生：原创音乐剧的未来走向
音乐剧与市场之间的关系，从来不是单向的依附。资金、技术与观众需求构成作品生长的现实土壤，而艺术表达则如根系在其中延展，汲取养分。若忽视市场规律，创作可能失去回声；若忽略艺术追求，舞台将缺少灵魂。原创音乐剧的成熟，恰恰在于这种平衡的追求：让产业机制为创作提供动力，同时让创作引导观众与市场形成良性循环。
音乐剧《南孔》
原创音乐剧不应只是一次性的文化消费品，它的生命力需要与作品本身的戏剧内核相匹配，通过驻演、巡演与多轮复排来逐步沉淀、打磨与积累口碑，从而在观众心中形成持久的期待与共鸣。这不仅保障了票房，也培养了观众的审美耐力与情感黏性。自2023年8月首演以来，音乐剧《南孔》迅速在国内40余个城市完成140余场巡演。该剧剧本的创作历时一年多，团队10余次深入实地采风，每一次打磨都力求贴近历史与生活的真实质感。在专家的指导下，叙事重心由南渡大宗转向孔洙让爵，赋予故事全新的视角与理解。首演之后，剧情、表演与舞美不断优化，力求整体呈现浑然一体。为还原南宋市井的生活气息，服装团队翻阅《宋会要辑稿》，复原窄袖短褐等细节；作曲家则深入衢州乡村采录民间小调，将礼乐精神与现代音乐感知融合，使旋律既厚重又充满活力。正是这种近乎极致的匠心打磨，让《南孔》于深沉的历史底蕴中绽放出蓬勃生机，使观众真切体悟到南宋文化的气韵、魅力与温情。
原创音乐剧的发展，还取决于完整的人才链条。从剧作、作曲到导演、演员，再到舞美、制作与宣传，每一个环节都需要专业支持与系统培养。然而，现实中好演员缺好戏、好剧本缺好团队的尴尬仍然存在。要打破这一困局，必须建立跨学科、跨领域的人才培养机制，并使院校教育、剧团实践与市场项目形成良性互动。自2014年以来，上交音乐厅与上海交响乐团、东方艺术中心与上海爱乐乐团、星海音乐厅与广州交响乐团等先后推行“厅团合一”的运营模式：剧团入驻剧院，演出安排优先保障驻场团队。此举不仅深化了院团之间的合作纽带，也激发了团队的创作活力，使艺术生产与空间运作形成紧密互动，取得了令人瞩目的成绩。同时，政策扶持与资本导向也至关重要。当资本摆脱投机心态，原创音乐剧转向长期主义；当政策从扶持数量走向提升质量，原创音乐剧的土壤才会真正肥沃。
四
结 语
原创音乐剧的发展既是市场的产物，也是对文化交融的回应。它在资本催生的表象下有虚热隐忧，也在文化自觉与艺术开掘中孕育转机。关键是，市场逻辑与艺术使命应携手并进开辟未来。音乐剧的价值不止于舞台惊艳，更在于承载民族经验、回应时代心灵、引发情感共鸣。只有市场有耐心、资本长期投入，创作者从文化中汲取灵感，原创音乐剧才有望在世界舞台树立中国形象，讲述动人故事，展现文化自信与艺术高度。通过持续创作与运营，中国原创音乐剧将能实现量质齐升，成为观众长久的热望。
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责编 孙竹
制作 孙竹
主管 中国文学艺术界联合会
主办 中国戏剧家协会
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