李明：在抽象与意象之间，寻找孤独的温度|九城艺术|水墨|画家|绘画

编者按

在艺术家李明的笔下，水墨早已超越了传统媒介的边界，化作通往内心宇宙的幽深通道。这位1987年出生的职业画家，游离于济南与成都之间，在具象与抽象的交界处，以顺其自然的姿态探寻着意象的无限可能。

本期【万象】特别选取了李明多年前的一段深度访谈。在对话中，他坦诚地分享了独特的创作哲思：点、线、面是他与自我内心对抗与和解的战场；笔下的山水与灵兽，实则是主观情感的投射与孤独境遇的写照。从早期单色系的优雅怀旧，到如今大胆的色彩碰撞，他始终在打破桎梏，试图用最纯粹的表达寻找世界的温度。让我们一同走进李明的艺术世界，感受那份在孤独中无限延伸的深情与力量。

爱如山-105x140cm-纸本矿石色 ©‌李明

草垛-47x60cm-纸本水墨-2022©‌李明

风景-141x149cm-纸本水墨、材料-2025©‌李明

Q1：您是在什么样的契机下选择了抽象水墨的创作？是什么让您对这种表达方式情有独钟？

李明：这其实是一种顺其自然的表达。我所说的“抽象”，或许更多是相对于“具象”而言。水墨这种媒介本身的语言特点，就与抽象有着天然的契合度——它更注重“意象”的传达，而在我看来，意象与抽象之间本就存在着千丝万缕的关联。

对我而言，创作的过程就是去发现、去寻找客观事物与内心世界之间的那些微妙感受。当我尝试将这些感受进行抽离、归纳和重组时，自然而然就选择了现在的这种表达方式。它不是刻意为之，而是情感与媒介碰撞后的必然结果。

Q2：点、线、面是绘画最基本的元素，在您的创作体系中，它们分别意味着什么？您似乎很偏爱线与面的重叠与冲突，这是出于怎样的考量？

李明：我认为绘画作品终究要强调形式本身的力量。在我的画面中，点、线、面不仅仅是构成元素，它们更像是构建整个宇宙的基本粒子。

至于线与面的重叠与冲突，这其实是我内心活动的一种外化。在画布上对这些元素进行重置与布局的过程，本质上是我在与自己的内心进行对抗，继而寻求和解。每一次笔触的交错，都是情绪的一次博弈与安放。

Q3：您笔下的山水虽然是抽象的，却常给人一种拥有灵识，甚至仿佛是某种巨大动物躯体的错觉。从抽象画家的视角出发，您是如何觉知和定义“山水”的？

李明：是的，你的感觉很敏锐。我总是在这些看似不经意的山峦与大地中，试图寻找一种温度，一种内在的力量。

中国传统山水画中的境界已经非常高远，那是“天人合一”的极致体现。而我的山水系列，或许更强调“主观性”。在某种意义上，我已经不再刻意强调山水本身的自然属性，而是将其转化为一种纯粹的抒情表达。它们是我胸中的丘壑，是情感的载体。

Q4：您画中出现的动物形象非常独特，它们更像是某种具有神性的“灵兽”。您为什么会这样去描绘它们？您的观察视角是怎样的？

李明：坦白说，画动物其实就是在画我自己。

在我的观察中，动物们总是处于一种孤独的境遇里。但有时候，当你看到某些动物流露出充满灵性的那一瞬间，你会感觉是可以和它们互通情绪的。我认为，“孤独”是一项伟大的发明。它以客观存在的形式，促使主观意识得以无限延伸。我们所有的思考、自省、感伤，往往都是在这样客观而孤独的境遇中产生的。

Q5：注意到您最近的新作在色彩上有了明显的突破，从早期那种怀旧的暖色调转向了更为鲜明、多元的色彩碰撞。这种转变背后，您在寻找和表达什么？

李明：其实在更早的阶段，我也创作过一系列蓝色调的作品。色彩对我来说极其重要，前两个阶段的创作我多采用单色系，因为它们能直观地传达我的情绪——比如蓝色的优雅与憧憬，褐色的怀旧与感伤。

而现在，我开始尝试大量的色彩碰撞，目的是试图解放色彩本身对我的桎梏，去探索更纯粹的表达方式。我想，每个阶段的创作都是在与自己进行周旋，也是在进行更大可能性的尝试。只有对绘画抱有无限的热爱，才会乐于将其当作自己表达的途径和出口，并且在了解世界与自我的过程中，不知疲倦地走下去。

李明，职业画家，现工作与生活于济南、成都两地。系中国美术家协会会员。其作品多次受邀参加国家级及国际性艺术展览，并在全国多地成功举办个人画展，多幅作品被国内外美术馆、艺术机构及私人藏家广泛收藏。在艺术创作上，李明注重情感的表现与抒发，致力于在具象与抽象交织的艺术语言中，寻求自我内心与外部世界的深度对话。